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Las 20 Mejores Peliculas De La Historia en 2021

Mejores Peliculas De La Historia

Todos tienen sus favoritos, por eso cualquier debate sobre qué hace que las mejores películas de todos los tiempos puedan llevar horas (o, en nuestros casos, toda la vida).

¿Puede haber alguna vez una lista para gobernarlos a todos? ¿Un canon, como les gusta llamarlo a los críticos, actualizado con los cambiadores de juego de hoy, que miraría todos los gustos, todos los géneros, todos los países, todas las épocas, equilibrando el impacto con la importancia, el cerebro con el corazón? El desafío fue abrumador.

Simplemente no resistirnos pudimos. Nuestra lista incluye algunas de las mejores peliculas de la historia de acción, feministas y extranjeras más reconocidas. Háganos saber qué tan mal lo hicimos.

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1. 2001: Una odisea del espacio (1968)

2001: Una odisea del espacio (1968)

La mejor película jamás realizada comenzó con el encuentro de dos mentes brillantes: Stanley Kubrick y el vidente de ciencia ficción Arthur C. Clarke.

“Tengo entendido que es un loco que vive en un árbol en la India en algún lugar”, señaló Kubrick cuando apareció el nombre de Clarke, junto con los de Isaac Asimov, Robert A.

Heinlein y Ray Bradbury, como posible escritor para su épica de ciencia ficción planificada. . Clarke en realidad vivía en Ceilán (no en India, o en un árbol), pero la pareja se conoció, se llevó bien y forjó una historia de progreso tecnológico y desastre (hola, HAL) que está impregnada de humanidad, en todo su brillo, debilidad. , coraje y ambición loca.

Una audiencia de fumetas, cautivados por su atractiva secuencia Star Gate y sus imágenes pioneras, la adoptó como una película de mascotas. Si no fuera por ellos, 2001podría haberse desvanecido en la oscuridad, pero es difícil imaginar que se hubiera quedado allí.

La aterradora visión clínica de Kubrick del futuro (IA y todo) todavía se siente profética, más de 50 años después.— Phil de Semlyen

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2. El padrino (1972)

El padrino (1972)

Desde los sabios de Goodfellas hasta Los Soprano , todas las dinastías del crimen que vinieron después de El Padrino.son descendientes de los Corleone: la obra magna de Francis Ford Coppola es el último patriarca del género mafioso.

Una línea de apertura monumental (“Creo en América”) pone en movimiento la adaptación operística de Mario Puzo, antes de que la épica de Coppola se transforme en un escalofriante desmantelamiento del sueño americano.

La historia empapada de corrupción sigue a una poderosa familia inmigrante que lucha con los valores paradójicos del reinado y la religión; esas contradicciones morales se cristalizan en una secuencia de bautismo legendaria, magníficamente editada en paralelo al asesinato de cuatro capos rivales.

Con innumerables detalles icónicos: la cabeza cortada de un caballo, la voz jadeante de Marlon Brando, el vals pegadizo de Nino Rota, la autoridad del Padrino sigue viva.— Tomris Laffly

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3. Ciudadano Kane (1941)

Ciudadano Kane (1941)

De vuelta en los titulares gracias al dramatismo de David Fincher, brillantemente mordaz , Mank , Citizen Kane siempre encuentra una manera de renovarse para una nueva generación de amantes del cine.

Para los novatos, el viaje de su bulldozer de un protagonista, interpretado con fuerza inagotable por el actor, director y niño prodigio Orson Welles, de un niño no querido a un emprendedor emprendedor, un barón de la prensa y un populista, se siente completamente au courant.

(en noticias inconexas, Donald Trump salió como un superfan). Puede sumergirse en las técnicas innovadoras de la película, como la fotografía de enfoque profundo de Gregg Toland, o la confianza ilimitada en sí mismo de su puesta en escena y su investigación del capitalismo estadounidense.

Pero también es una muy buena historia para la que definitivamente no necesitas ser un cineasta empedernido para disfrutar.— Phil de Semlyen

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4. Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)

Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)

Considerada durante mucho tiempo una obra maestra feminista, el retrato silenciosamente ruinoso de Chantal Akerman de la rutina diaria de una viuda —sus quehaceres ceden lentamente a una sensación de frustración reprimida— debería ocupar el lugar que le corresponde en cualquier lista de todos los tiempos.

Esta no es simplemente una película de nicho, sino una ventana hacia una condición universal, representada en un estilo estructuralista concentrado.

Más hipnótico de lo que te imaginas, los cambios ininterrumpidos de Akerman convierten los simples actos de dragar la ternera o limpiar la bañera en sutiles críticas de la propia realización cinematográfica.

(De manera puntual, nunca vemos el trabajo sexual que Jeanne programa en su habitación para llegar a fin de mes.) Al adormecernos en su rutina, Akerman y la actriz Delphine Seyrig crean un extraordinario sentido de simpatía que pocas veces igualan otras películas.

Jeanne Dielmanrepresenta un compromiso total con la vida de una mujer, hora a hora, minuto a minuto. E incluso tiene un final diferente.— Joshua Rothkopf

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5. En busca del arca perdida (1981)

En busca del arca perdida (1981)

Comenzando con una disolución del logotipo de Paramount y terminando en un almacén inspirado en Citizen Kane , Raiders of the Lost Ark celebra lo que las películas pueden hacer con más alegría que cualquier otra película.

Intrincadamente diseñado como un tributo al oficio, el éxito de taquilla más divertido de Steven Spielberg lo tiene todo: rocas rodantes, una pelea en un bar, una heroína chispeante (Karen Allen) que puede contener su licor y perder los estribos, un mono traicionero, un villano bebedor de champán (Paul Freeman), serpientes (“¿Por qué tenían que ser serpientes?”), La persecución de camiones más grande del cine y un final sobrenatural devastador donde estallan cabezas.

Y todo está rematado por el perfecto Indiana Jones de Harrison Ford, un modelo de heroísmo reacio pero ingenioso (míralo a la cara cuando dispara contra ese espadachín). En resumen, es la perfección cinematográfica.— Ian Freer

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6. La Dolce Vita (1960)

La Dolce Vita (1960)

Hecho en medio de los años de auge de Italia, el gran éxito de taquilla de Federico Fellini llegó a definir el glamour acalorado y la cultura de las celebridades en todo el planeta.

También convirtió a Marcello Mastroianni en una estrella; aquí, interpreta a un periodista de chismes atrapado en el mundo frenético y despreocupado de la vida nocturna romana. Irónicamente, la descripción que hace la película de este medio como insípido y hedonista que corroe el alma parece haber pasado por alto a muchos espectadores.

Tal vez sea porque Fellini filma todo con tanto entusiasmo e ingenio cinematográfico que a menudo es difícil no quedar atrapado en los delirantes sucesos en pantalla. Gran parte de cómo vemos la fama aún se remonta a esta película; incluso nos dio la palabra paparazzi .- Bilge Ebiri

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7. Seven Samurai (1954)

Seven Samurai (1954)

Son los 207 minutos de cine más fáciles que jamás hayas visto. En el marco más simple (una comunidad agrícola pobre reúne sus recursos para contratar samuráis que los protejan de los brutales bandidos que roban su cosecha),

Akira Kurosawa monta una epopeya finamente dibujada, por turnos absorbente, divertida y emocionante. Por supuesto, las secuencias de acción agitan la sangre (el enfrentamiento final bajo la lluvia es inolvidable), pero este es realmente un estudio de las fortalezas y debilidades humanas.

Toshiro Mifune es magnífico como el samurái medio loco, pero es el líder similar a Yoda de Takashi Shimura quien le da a la película su centro emocional.

Desde que se repitió en el salvaje oeste ( Los siete magníficos ), en el espacio ( Batalla más allá de las estrellas ) e incluso con insectos animados ( A Bug’s Life), el original aún reina supremo.— Ian Freer

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8. In the Mood for Love (2000)

In the Mood for Love (2000)

¿Puede una película ser realmente un clásico instantáneo? Cualquiera que haya visto In The Mood for Love cuando se lanzó en 2000 puede haber dicho que sí.

En el segundo en que se abre esta historia de amor, sientes que estás en manos de un maestro. Wong Kar-wai nos guía por las estrechas calles y escaleras del Hong Kong de los sesenta y nos adentra en la vida de dos vecinos (Maggie Cheung y Tony Leung) que descubren que sus cónyuges están teniendo una aventura.

Mientras imaginan, y en parte recrean, cómo podrían estar comportándose sus parejas, se enamoran el uno del otro sin dejar de estar decididos a respetar sus votos matrimoniales.

Cargada de nostalgia, la película se beneficia de nada menos que tres directores de fotografía, que juntos crean una intensa sensación de intimidad, mientras que las actuaciones impecables tiemblan de tensión sexual. Esto es cine.— Anna Smith

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9. Habrá sangre (2007)

Habrá sangre (2007)

En el camino de convertirse en el cineasta más importante de los últimos 20 años, Paul Thomas Anderson pasó de ser un cronista escorsesiano de la vida libertina de Los Ángeles a un investigador duro del hombre de confianza estadounidense.

El punto crucial fue There Will Be Blood , una epopeya sobre cierto tipo de estafador: el barón y buscador del petróleo. Daniel Plainview es, en el análisis final, un Daniel Day-Lewis ultra aterrador que beberá tu batido.

Anotado por Jonny Greenwood de Radiohead (él mismo emergiendo como un compositor importante), la épica triste de Anderson es la verdadera heredera del cinismo profundo de Chinatown .

Como deja en claro Phantom Thread , Anderson no ha perdido su sentido del humor, ni mucho menos. Pero hubo un momento en el que necesitaba ponerse serio, y este es el momento.Joshua Rothkopf

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10. Cantando bajo la lluvia (1952)

Cantando bajo la lluvia (1952)

Olvídese de The Artist, lo siento Uggie, y disfrute en su lugar del puro brío que aumenta la serotonina del glorioso epitafio de MGM a la era del cine mudo.

Su trío de bailarines, Donald O’Connor con cara de goma (y tacones), la brillante debutante Debbie Reynolds y el codirector y actor principal Gene Kelly, son una triple amenaza, clavan las canciones estelares, rutinas de baile intrincadas y físicamente exigentes y venden todo el cómic late con consumada habilidad.

Pero las felicitaciones también pertenecen a Betty Comden y Adolph Green, cuyo guión efervescente proporciona el ritmo al que se mueve el espectáculo, y a Jessica Hagen, cuyo papel a menudo pasado por alto como la estrella muda ronca Lina Lamont es el contrapunto divertido y triste de la película.

Sin olvidar al codirector Stanley Donen, quien siempre estuvo feliz de dejar que sus estrellas se llevaran el mérito, pero merece una parte igual por un musical que nunca se equivoca.Phil de Semlyen

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11. Goodfellas (1990)

Goodfellas (1990)

¿Ha ocupado este su lugar como el mayor logro de Martin Scorsese? Nosotros creemos que sí (y no solo porque no podemos apagarlo cada vez que lo vemos en la televisión).

La revolución desencadenada por Goodfellas solo ahora se está haciendo evidente: sin ella, no tienes Los Soprano , la edad de oro de la televisión o la escena de los restaurantes Reservoir Dogs .

Al convertir sus preocupaciones más sombrías por la inseguridad masculina en comedia, Scorsese atravesó un nuevo registro: uno de comentarios sociales engañados sobre un ascenso y caída claramente estadounidense.

El romance del estilo de vida de la mafia —la comida, los clubes nocturnos, las trampas, la violencia— creaba una superficie brillante; debajo estaba la cárcel, el abandono y vivir la vida como un idiota en el programa de protección de testigos.Joshua Rothkopf

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12. North by Northwest (1959)

North by Northwest (1959)

No hay otro thriller tan elegante, ligero y sexy como la sedosa travesura de Hitchcock. El publicista suavemente hueco de Cary Grant, Roger O.

Thornhill (“¿Qué significa la O.?” “Nada”) es Don Draper con un sentido del humor, que necesita urgentemente cuando contrae un caso grave de Wrong Man-itis.

Las piezas, los villanos, la femme fatale de Eva Marie Saint, los créditos de Saul Bass, las pistas musicales de Bernard Herrmann, de alguna manera la película logra ser incluso más que la suma de sus partes gloriosas.

Ah, y en algún lugar de allí, Thornhill incluso logra encontrar su alma. Phil de Semlyen

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13. Mulholland Drive (2001)

Mulholland Drive (2001)

Podrías ver Mulholland Drive , sin duda una de las mejores películas de un nuevo siglo, cien veces y aún así obtener algo diferente con cada visita.

La glamorosa pesadilla de David Lynch sobre Los Ángeles está llena de misterio, terror y una extraña sensualidad, temas que durante mucho tiempo habían sido una constante en el trabajo del autor, pero que aquí alcanzaron su espeluznante apoteosis.— Abbey Bender

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14. Ladrones de bicicletas (1948)

Ladrones de bicicletas (1948)

El pináculo del neorrealismo italiano, la obra maestra de posguerra de Vittorio de Sica ejemplifica las preocupaciones socioeconómicas del movimiento, maniobrando sus convenciones estilísticas con conmoción desgarradora.

Una crítica inquebrantable del capitalismo a través de la historia de la batalla perdida de un hombre común para salvaguardar un trabajo ganado con esfuerzo y preservar su dignidad a los ojos de su hijo, Bicycle Thieves continúa informando las obras más humanistas de nuestro tiempo, desde Winter’s Bone hasta Shoplifters . – Tomris Laffly

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15. El caballero oscuro (2008)

El caballero oscuro (2008)

La inquietante y expansiva secuela de Batman de Christopher Nolan fusiona la película de cómics con la épica del crimen y ofrece algo realmente especial: un espectáculo pop con pasajes de desesperación sorprendentemente potente.

El enorme éxito de taquilla de la película, junto con su aclamación de la crítica, la convirtió en un fenómeno que reformó Hollywood.

Hay una razón por la que las películas de superhéroes se toman tan en serio hoy en día, incluso en los Oscar, y esta es básicamente la razón. Bilge Ebiri

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16. Luces de la ciudad (1931)

Luces de la ciudad (1931)

La visión total de Charlie Chaplin sigue siendo impresionante: escribió, dirigió, produjo, editó y protagonizó sus propias películas, que también compuso con una orquesta.

Y cuando esas cámaras estaban grabando, capturaron un ícono hecho a sí mismos con una audiencia global. Aún así, City Lights era otra cosa.

Chaplin, reticente a renunciar a las técnicas visuales que dominaba, insistió en hacer de su nueva comedia una película muda incluso cuando los espectadores estaban sedientos de sonido.

Como siempre, la estrella se rió por última vez: la película no solo fue un gran éxito comercial, sino que también terminó con el primer plano más desgarrador de la historia del cine: la cima de la toma de reacción (desde que se vio reflejada en películas de La Strada a The Purple Rose of Cairo ), no se requiere diálogo.— Joshua Rothkopf

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17. Gran ilusión (1937)

Gran ilusión (1937)

Nunca es un mal momento para volver a visitar una de las grandes obras maestras de Jean Renoir (junto con Las reglas del juego ), pero esta era actual de populistas, nacionalistas y alborotadores chillones se siente particularmente buena.

Ambientada en un campo de prisioneros de guerra alemán durante la Primera Guerra Mundial, la película pone al descubierto las líneas divisorias de clase y nacionalidad entre un grupo de prisioneros franceses y sus captores alemanes y llega a la conclusión de que lo único que realmente importa es la nobleza del hombre hacia su prójimo.— Phil de Semlyen

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18. Su chica viernes (1940)

Su chica viernes (1940)

Llamar a este el pico de la comedia loca puede ser demasiado limitante: entre las muchas películas de primer nivel dirigidas por el realizador Howard Hawks,

His Girl Friday es la más romántica y la más detallada (las bromas constantes se sienten como un juego previo).

Aunque los lacónicos Hawks restaron importancia a su propio protofeminismo a lo largo de su vida, la película también es la más liberada; mujeres fuertes que tenían trabajo y trabajaban con los sabuesos eran simplemente lo que quería ver.

Lo más maravilloso es que esta comedia celebra mejor la regla del ingenio: él —o, más a menudo, ella— con la lengua más aguda gana. Si te encantan las palabras, te encantará esta película.— Joshua Rothkopf

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19. Los zapatos rojos (1948)

Los zapatos rojos (1948)

Podría incluir casi todas las películas de Powell y Pressburger en esta lista; tal fue la producción estelar del dúo dinámico.

Pero por nuestro dinero, y el del superfan Martin Scorsese, este deslumbrante romance de ballet es el primero entre iguales.

Es una expresión perfecta del impulso de los artistas por crear, ambientada en un exuberante mundo Technicolor filmado por el gran Jack Cardiff.

Scorsese lo describe como “la película que se reproduce en mi corazón”. Tomaremos dos asientos en la parte de atrás. Phil de Semlyen

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20. Vértigo (1958)

Vértigo (1958)

Vértigo , una sexy manipuladora de mentes freudiana que a menudo se considera el mayor triunfo de Alfred Hitchcock, se lanza en un mundo de obsesión existencial y dobles astutos.

Cambiando de forma su camino a través de los trajes transformadores de Edith Head, Kim Novak persigue en dos roles: Madeleine Elster y Judy Barton, ambas objetos de deseo para el curioso ex policía de James Stewart.

Completando este vívido psicodrama está la partitura alarmantemente duplicada de Bernard Herrmann, que se abre camino hacia un final imponente.— Tomris Laffly

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Elena

Soy un blogger e hice un sitio web para diferentes aplicaciones que no están disponibles en Google, como la aplicación de anime, manga y películas. Entonces, puedes seguir nuestro sitio web y disfrutarlo .. Gracias

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